Embrace Freewriting 
​Freewriting is an unstructured writing exercise where you write without any specific goal or structure. Just let your thoughts flow onto the page. This practice can help you break through the barrier of writer's block by bypassing your internal editor and allowing your creativity to shine. 
 
Set Realistic Goals
Writer's block can often stem from unrealistic expectations. Set achievable goals for your writing sessions. Start with small targets, such as writing a certain number of words or completing a specific section. Achieving these small victories can boost your confidence and creativity. 
 
Change Your Environment
Sometimes, all it takes to reignite your creativity is a change of scenery. Move to a different room, head to a coffee shop, or simply step outside for some fresh air. A new environment can stimulate your mind and kickstart your creativity.
 
Read Widely
Reading is an excellent way to inspire your own writing. Explore books, articles, and genres you wouldn't typically read. Exposing yourself to different styles and voices can infuse fresh ideas into your own work.
 
Mindfulness and Meditation Practicing mindfulness and meditation can help clear your mind of clutter and anxiety, creating space for creativity to flourish. Take a few minutes each day to meditate and center your thoughts. 
 
Create a Routine
Establishing a writing routine can help train your mind to be creative at specific times. Whether it's early in the morning or late at night, having a regular writing schedule can condition your mind to be more creative during those periods.
 
Seek Inspiration from Visuals 
Visual stimuli can be a powerful source of inspiration. Browse through art, photography, or even take a nature walk. Visuals can trigger new ideas and themes for your writing. 
 
Collaborate with Others 
Sometimes, a fresh perspective can be just what you need. Collaborate with other writers, artists, or even friends who can provide feedback, ideas, or simply a different outlook on your work. 
 
Take Breaks 
Pushing yourself too hard can lead to burnout and writer's block. Don't be afraid to take breaks. Stepping away from your work for a while can recharge your creative energy.
​  
Edit Later, Write Now 
Don't let the desire for perfection paralyze your creativity. Write without worrying about editing in the initial stages. Save the editing for later when you've captured your ideas. 
  
Writer's block is a hurdle that can be overcome with the right strategies and mindset. The path from writer's block to creative flow might not always be straightforward, but with persistence and a willingness to experiment, you can unlock your creative potential. Remember that creativity is a renewable resource, and by incorporating these techniques into your writing process, you can ensure that your creative well never runs dry. So, embrace the blank page, let the words flow, and watch your creativity soar to new heights. Happy writing!

1. Seed Clues with Purpose 
Foreshadowing is not about random, cryptic hints dropped throughout your narrative. Instead, it's a deliberate act to guide your readers without giving away the entire plot. Every clue you introduce should have a purpose, whether it's to prepare the reader for a significant revelation, build tension, or enhance character development.
  
2. Create Suspense
One of foreshadowing's primary functions is to create suspense. By subtly hinting at forthcoming events, you engage your readers' curiosity and keep them invested in the story. Think of Alfred Hitchcock's famous quote, "There is no terror in the bang, only in the anticipation of it." Foreshadowing allows you to craft the anticipation and dread that fuels a compelling narrative.
  
3. Balance Predictability and Surprise
Effective foreshadowing strikes a balance between predictability and surprise. While readers should have a sense of what might occur, you should also be prepared to subvert their expectations. Cleverly blend the obvious and the unexpected to keep your audience guessing and ensure the payoff is satisfying.
 
​4. Utilize Various Techniques
Foreshadowing can take many forms, from symbolic imagery and recurring motifs to enigmatic dialogue and even subtle character behavior. Experiment with different techniques to find the ones that best suit your story. For example, an object that appears briefly in the beginning might resurface later with greater significance.
  
5. Timing Is Everything
The timing of your foreshadowing is crucial. Too early, and readers may forget the hints; too late, and the suspense is lost. Consider placing foreshadowing elements strategically throughout your narrative, with some subtle clues early on, followed by more explicit hints as the climax approaches.
  
6. Pay Attention to Language  
The words you choose play a pivotal role in foreshadowing. Use evocative and suggestive language to pique your readers' curiosity. Metaphors, similes, and descriptive passages can be powerful tools to foreshadow without explicitly stating what will happen.
  
The art of foreshadowing is a subtle dance between revelation and concealment, creating a tapestry of tension and anticipation in your prose. When used skillfully, it keeps readers engaged, eager to discover what lies ahead. By mastering this technique, you can elevate your storytelling to new heights, leaving your audience with a sense of satisfaction and wonder at the intricacies of your narrative. Foreshadowing is a powerful tool in the writer's arsenal, one that can transform a good story into a great one.

The art of adapting real-life stories into screenplays has been a staple of the film industry for decades. From heartwarming biopics to gripping historical dramas, these adaptations have the power to inspire, inform, and entertain audiences. However, the process of transforming real events and people into a compelling screenplay is not without its challenges. In this article, we will explore the dos and don'ts of adapting real-life stories into screenplays, shedding light on the intricacies of this complex creative endeavor.

1. Thorough Research 
One of the first and most critical steps in adapting a real-life story into a screenplay is conducting extensive research. It's essential to gather as much information as possible about the events, characters, and settings that will be portrayed in your screenplay. This research will serve as the foundation for an authentic and compelling narrative.
  
2. Focus on the Core Story
Real-life stories can be complex, with multiple subplots and characters. To create a successful screenplay, it's vital to identify the core story and central characters that will resonate with your audience. This focus will help you maintain a clear and engaging narrative.
  
3. Balance Fact and Fiction
While authenticity is essential, it's important to remember that a screenplay is a work of fiction based on real events. Finding the right balance between accuracy and creative interpretation is key. Some liberties may be necessary for dramatic purposes, but they should never distort the fundamental truth of the story.
  
4. Character Development
Take the time to develop your characters. Real-life figures often have nuanced personalities, and your job is to bring them to life on the screen. Explore their motivations, conflicts, and growth throughout the story. This depth will make your screenplay more engaging and relatable.
​  
5. Respect Ethical Boundaries
Respect the privacy and sensitivities of real people involved in the story. Be cautious when dealing with controversial or painful events, as it's essential to handle such subjects with empathy and care. Seek permissions or approvals when necessary.

1. Avoid Overcomplication 
Don't attempt to include every detail or event from the real story. Overcomplicating the screenplay with too many subplots or characters can overwhelm the audience. Stick to the central narrative and make it the focus.
  
2. Steer Clear of Stereotypes 
Avoid falling into the trap of using stereotypes or clichés when portraying real people. Characters should be multifaceted and realistic. Stereotypical portrayals can detract from the authenticity of the story.
  
3. Don't Sacrifice Emotional Truth  
While creative liberties are acceptable, avoid sacrificing the emotional truth of the story. Authentic emotions are what connect the audience to the characters and events. Stay true to the emotional core of the real-life narrative.
  
4.Resist Manipulation  
Don't manipulate the facts to create a more dramatic or sensationalized story. Integrity in storytelling is paramount. Audiences appreciate honesty, and a contrived narrative can undermine the impact of your screenplay.
  
5. Disregard Copyright and Legal Issues  
Adapting real-life stories may involve legal considerations, especially when dealing with copyrighted material or sensitive subjects. Ensure you have the necessary rights and permissions to proceed, or you may face legal consequences.

1. Lack of Proper Planning
One of the most fundamental screenwriting pitfalls is diving into writing without a well-thought-out plan. Skipping the pre-writing stage can lead to a lack of direction, resulting in weak characters, plots, and themes. To avoid this, take the time to outline your story, create character profiles, and establish a clear structure. This planning phase will help you navigate your screenplay with purpose and clarity.
  
2. Weak Character Development
Characters are the heart of any great screenplay. Neglecting character development can make your script feel shallow and unengaging. Ensure your characters have depth, relatability, and clear motivations. Give them arcs that show growth and change throughout the story. The more your audience can connect with your characters, the more invested they'll be in your script.
  
3. Poor Dialogue
Screenplays rely heavily on dialogue to convey information, advance the plot, and develop characters. A common pitfall is writing unrealistic or on-the-nose dialogue that doesn't sound natural. To avoid this, read your dialogue out loud, refine it, and ensure it serves a purpose in the story. Good dialogue is concise, meaningful, and true to each character's voice.
  
4. Ignoring Structure
The three-act structure is a tried-and-true formula in screenwriting, and ignoring it can be detrimental. Failing to establish an inciting incident, rising action, climax, and resolution can result in a disjointed narrative. Even if you choose to experiment with structure, it's important to understand the rules before breaking them. Structure provides a framework that helps your audience engage with the story.
  
5. Overwriting and Excessive Detail
​Screenplays are not novels; they are blueprints for a visual medium. Overwriting, excessive detail, and lengthy descriptions can bog down your script. Aim for brevity and clarity, allowing the director, actors, and production team to interpret and visualize your vision. Focus on conveying the essentials and the emotional nuances that drive the story forward.
  
  
​Avoiding these common screenwriting pitfalls is crucial for crafting a compelling and marketable screenplay. Remember that the art of screenwriting is a skill that improves with practice and feedback. Seek advice, attend workshops, and revise your work meticulously. By steering clear of these pitfalls and honing your craft, you'll increase your chances of creating a screenplay that captivates audiences and industry professionals alike. Happy writing!

"A Confederacy of Dunces" by John Kennedy Toole (1980)
This Pulitzer Prize-winning novel, published posthumously, is a testament to the enduring nature of great storytelling. Ignatius J. Reilly, the eccentric protagonist, takes readers on a hilarious and thought-provoking journey through the colorful streets of New Orleans.

"The Art of War" by Sun Tzu (5th BC)​While not a traditional novel, Sun Tzu's ancient treatise on warfare provides invaluable lessons in strategy, leadership, and human psychology. Writers can learn much about the art of crafting conflict and tension from this timeless classic.

"De Profundis" by Oscar Wilde (1905)
​In this heartfelt and introspective letter written during his imprisonment, Oscar Wilde bares his soul. It's a poignant reminder of the power of personal reflection and raw emotion in writing.

"Murder on the Orient Express" by Agatha Christie (1934)
Agatha Christie's masterpiece of detective fiction is a masterclass in plotting and suspense. The intricate web of mystery woven by Hercule Poirot is a prime example of how to keep readers engaged from start to finish.

"Madame Bovary" by Gustave Flaubert (1857)
Gustave Flaubert's exploration of the complexities of human desire and societal expectations serves as a timeless example of character development and vivid storytelling.

"1984" by George Orwell (1949)
Orwell's dystopian classic is a stark warning of the dangers of totalitarianism and the manipulation of truth. It's a testament to the power of fiction to engage with pressing societal issues.

"Metamorphosis" by Franz Kafka (1915)
Kafka's surreal and unsettling tale of transformation strikes at the heart of existentialism. His ability to convey the absurdity of human existence through his writing is nothing short of inspirational.

"Propaganda" by Edzard Bernays (1928)
Edzard Bernays' work on propaganda provides valuable insights into the manipulation of information and persuasion techniques. It's a must-read for writers interested in exploring the darker aspects of human communication.

"Homo Deus" by Yuval Noah Harari (2015)
Yuval Noah Harari's exploration of the future of humanity in the age of technology is a thought-provoking journey into speculative non-fiction. It showcases the power of research and imagination in crafting compelling narratives.
"Misery" by Stephen King (1987)
​
No list of inspirational novels for writers would be complete without a nod to the master of horror, Stephen King. "Misery" demonstrates King's ability to create intense psychological suspense and complex characters.


​These ten novels, spanning different genres, time periods, and styles, offer a rich tapestry of inspiration for writers. Whether you're interested in character development, plot intricacies, social commentary, or simply want to expand your horizons, these books are sure to fuel your creativity and passion for the written word. Happy reading and writing!

Are you an aspiring screenwriter looking for inspiration and insights to enhance your craft? Well, look no further than the silver screen itself. Movies have the power to transport us into different worlds and evoke a range of emotions, making them an invaluable resource for anyone aiming to master the art of storytelling through film. In this article, we've compiled a list of 10 must-watch movies that can provide valuable lessons and inspiration for aspiring screenwriters.

Adaptation (2001)
Directed by Spike Jonze and written by Charlie Kaufman, this metafictional gem explores the struggles of a screenwriter trying to adapt a non-fiction book into a screenplay. It's a fascinating study of the creative process and the inner workings of a writer's mind.

Inglourious Basterds (2009)
Quentin Tarantino's masterpiece is a lesson in building tension through dialogue and character development. It's a testament to how a unique and memorable antagonist, like Christoph Waltz's Colonel Hans Landa, can elevate a story.​

Amelie (2001)
Directed by Jean-Pierre Jeunet, this whimsical and visually stunning film is a masterclass in creating unique characters and imaginative storytelling. It reminds us that even the simplest of premises can be transformed into cinematic magic.

In Bruges (2008)
Written and directed by Martin McDonagh, this darkly comedic crime drama showcases the power of sharp dialogue and flawed, relatable characters. It's a prime example of how genre blending can create compelling narratives.

Wonder Boys (2000)
Adapted from Michael Chabon's novel, this film, directed by Curtis Hanson, delves into the chaotic life of a novelist and professor. It explores themes of writer's block and the complexities of creative genius.

Casablanca (1942)
A classic in every sense, this film directed by Michael Curtiz demonstrates the enduring appeal of a well-crafted love story set against a backdrop of political turmoil. It teaches us the importance of memorable dialogue and timeless themes.

Citizen Kane (1941)
Orson Welles' magnum opus is a lesson in non-linear storytelling and innovative cinematography. It's a must-watch for those interested in exploring the possibilities of narrative structure.

The Godfather (1972)
Francis Ford Coppola's crime saga is a masterclass in character development and storytelling. It shows how a multi-generational story can be told with depth and authenticity.

Seven Psychopaths
Written and directed by Martin McDonagh, this dark comedy brilliantly navigates the challenges of crafting a screenplay within a screenplay. It's a quirky and self-aware take on the creative process.

​Annie Hall (1977)
Woody Allen's romantic comedy is renowned for its witty and realistic dialogue. It's a great example of how humor can be used to explore complex themes and relationships.


These ten films offer a diverse range of styles, genres, and storytelling techniques, making them essential viewing for any aspiring screenwriter. They provide valuable insights into character development, dialogue, narrative structure, and the creative struggles that writers often face. So, grab some popcorn, a notepad, and start your cinematic journey to become a better screenwriter. Who knows, the next blockbuster script might just be waiting to be inspired by one of these timeless classics.

« Depuis que je suis petit, j’ai une espèce de maladie : toutes les choses qui m'émerveillent s’en vont sans que ma mémoire les garde suffisamment » constate Lartigue dans son journal de 1965. Cet émerveillement sincère l'a finalement conduit vers la photographie, une vocation que Lartigue n'a pourtant jamais considérée comme sa profession principale. Né à Courbevoie en 1894, Jacques Henri Lartigue se percevait avant tout comme un peintre. Cependant, en 1963, à l'âge de 69 ans, sa trajectoire prend un tournant décisif lorsque le Museum of Modern Art de New York lui consacre une exposition entière, mettant en lumière près de 100 000 clichés réalisés tout au long de sa vie. La même année, le magazine Life lui consacre un portfolio qui fait le tour du globe. Du jour au lendemain, ce modeste peintre français se retrouve, à sa propre surprise, propulsé au rang de star internationale.
Les photographies, soigneusement rassemblées dans cent trente-cinq grands albums de format 52 x 34 cm, couvrent une période allant de 1902 à 1986, formant ainsi un journal visuel qui embrasse presque la totalité du 20e siècle à travers ses 14 423 pages. Ce travail visuel remarquable est enrichi par de nombreuses citations issues du journal intime de Lartigue, ainsi que par la projection de deux films qui brossent son portrait, ajoutant une dimension encore plus captivante à l'intérêt suscité par le photographe.
La quête photographique de Lartigue prend un départ aussi innocent que captivant. À l'âge de huit ans, le jeune Jacques Lartigue institue un rituel singulier qui lui permet de faire face à son hypersensibilité, un mélange d'angoisse et de joie de vivre : « J'ouvre mes yeux, puis je les ferme, et ensuite je les ouvre à nouveau, grands, grands, pour capturer l'image avec tout ce qu'elle comporte : la lumière, l'ombre, le plein et le vide, les couleurs ! La réalité de taille ! Et ce que je capture, c'est la vie en mouvement, palpitante et parfumée. [...] Ce matin, je capture de nombreuses images avec mon piège oculaire... Mon invention est un secret merveilleux... » Ce rituel, qui ressemble étonnamment au processus photographique, porte en lui une faille fatale : lorsque le jeune Jacques tente de reproduire ce qu'il pense avoir emmagasiné, sa mémoire le trahit. « Oh, comme je me sens malheureux ce matin !... Désolé, ennuyé, furieux [...], un peu désespéré : j'ai voulu contempler ma récolte, je pensais pouvoir tout coucher sur le papier [...]. Non, même avec mes crayons de couleur, ça ne fonctionne pas... » (Journal, 1900)
C'est en 1902 qu'Henri Lartigue, le père du futur artiste, offre à son fils son premier appareil photographique, l'initiant ainsi à l'art de la photographie et aux mystères de la chambre noire. « Toutes les choses jolies, curieuses, étranges ou intéressantes me procurent tant de joie que j'en suis exalté de bonheur ! D'autant plus que je peux en conserver beaucoup, grâce à la photographie ! J'ai une collection formidable ! Commencée dès l'âge de sept ans ! Une collection que je peux sans cesse agrandir. » (Journal, Paris, octobre 1907) Dès lors, le jeune Jacques n'a de cesse de saisir sa vie d'enfant bercée par les vacances familiales et surtout par les inventions mécaniques de son frère aîné, Maurice, souvent surnommé Zissou.



Thématiques de Lartigue

Rouzat : En 1905, la famille Lartigue devient propriétaire du château de Rouzat en Auvergne. L'espace et la liberté qui y règnent offrent à Zissou, l'inventeur, ainsi qu'à son frère Jacques, le photographe, l'opportunité de mettre en lumière leurs talents. Il s'agit véritablement d'une école buissonnière qui leur permet d'explorer les éléments tels que le vent, l'eau et les reliefs du terrain. La complicité de toute la famille, des membres du personnel de maison et des artisans locaux, qui apportent leur savoir-faire, permet aux enfants de donner corps à leur imagination inventive. Pendant l'été, les « bobs » à roues (précurseurs des « karts ») de Zissou dévalent les pentes de la colline de Rouzat, capturés en plein élan par Jacques, témoin infatigable et parfois même pilote lui-même. Pour leurs batailles navales, les habitants de Rouzat construisent des engins aquatiques annonciateurs des futurs pédalos. Rouzat sert également de base aérienne où les enfants Lartigue tentent sérieusement d'imiter les pionniers de l'aviation.
Ce goût de l'air libre caractéristique de l'époque se reflète dans les images dédiées aux sports et à la vitesse, qu'il s'agisse des premières courses cyclistes, des compétitions d'athlétisme, de natation ou de tennis. À l'âge adulte, Lartigue continue d'assister à des événements mondains et sportifs et pratique lui-même des sports réservés à l'élite, comme les sports de glisse (patinage et ski-jöring), qu'il découvre pour la première fois avec ses parents pendant l'hiver 1913 à Saint-Moritz. Le golf et le tennis font également partie de ses activités : « La balle arrive. La raquette l'attend avec ses boyaux tendus à l'extrême. Son bruit, à la fois sec, élastique et résonnant, envoie une vague de plaisir à travers tout le corps. S'engager dans un sport rapide, c'est vivre au cœur de la contrée fantastique des atomes de secondes. » (Journal, 1919.)
Les photographies automobiles de Lartigue, captivées par les inventions qui ont marqué le début du XXe siècle, illustrent à la fois les premières compétitions sur route et sur circuit et les voyages en famille.
Dans les années 1910 que Jacques Lartigue, alors adolescent, découvre un sujet qui le captive : les élégantes du bois de Boulogne. « Aux Acacias, il y a trois allées : celle des voitures, celle des cavaliers et le petit chemin des piétons, sous les arbres, appelé le 'Sentier de la Vertu'. C'est là que je guette, assis sur une chaise en fer, mon appareil soigneusement ajusté. Distance : de 4 à 5 mètres ; vitesse : fente du rideau 4 mm ; diaphragme : cela dépendra de quel côté elle arrivera. J'estime bien la distance à vue d'œil. Ce qui est plus délicat, c'est qu'elle ait un pied légèrement en avant au moment de la mise au point correcte (c'est ce calcul qui est le plus amusant)... Elle : c'est cette dame excessivement apprêtée, très à la mode, très risible... ou très belle, qui s'apprête peut-être à passer ?... De loin, parmi les promeneurs, elle brille telle une perdrix dorée au milieu d'une basse-cour. Elle se rapproche... Je me sens timide, légèrement tremblant... Vingt mètres... dix mètres... huit... six... clac ! Le bruit du rideau de mon appareil imposant la fait sursauter presque autant que moi. Cela n'a aucune importance, sauf si un monsieur à la voix puissante l'accompagne et, le regard furieux, commence à me saisir. À l'extérieur, je souris ; en dedans, certains jours, je suis plutôt mal à l'aise. Peu importe ; la seule chose qui compte, c'est la joie d'obtenir une nouvelle photo. La voix forte du monsieur, je la mettrai de côté ; peut-être garderai-je la photo. » (Journal, Paris, 29 mai 1910.)
Tout au long de sa vie, sensible à la beauté féminine, il multiplie les flirts avant de rencontrer la fille du compositeur André Messager, Madeleine Messager, surnommée "Bibi" qui deviendra sa première épouse et la mère de ses enfants. Dans les années 1920, période des "années Bibi", Jacques Lartigue mène une existence bourgeoise et mondaine à Paris, ponctuée par des séjours sur la Côte basque ou la Côte d'Azur, et entrecoupée de longues séances de peinture. Ensuite, il tombe éperdument amoureux du mannequin Renée Perle, qui devient son modèle favori pendant deux ans. Il vivra d'autres amours avant de rencontrer, en 1942, Florette Orméa, qui demeurera sa compagne durant près de cinquante ans. « La joie et la gaieté féminines me soutiennent, et les chauds rayons d'un sourire féminin sont aussi éblouissants que la lumière du soleil à midi... ou que le silence. » En 1955, Lartigue consacre une journée à Cannes pour rendre visite à Pablo Picasso à sa résidence de La Californie. Durant cette journée, il le photographie plus d'une centaine de fois, en noir et blanc ainsi qu'en couleurs. Fidèle à sa nature, Picasso se prête au jeu avec aisance. Les clichés pris lors de cette visite chez Picasso dominent une grande partie de l'album réalisé à cette période. Durant ses dernières années, Lartigue se plaît à photographier son ombre, créant ainsi une série qu'il intitule « Pendant que j'ai encore une ombre », comme pour s'assurer de sa présence sur terre. « Mon ombre est une compagne, pas une amie. Elle ne partira pas, ne me suivra pas. » (Journal, Opio, 1981.)


​Lartigue et le Pays basque
​
​Il serait pratiquement impossible de caractériser ou classer l'ensemble de l'œuvre de Lartigue en quelques paragraphes, étant donné que ses photographies couvrent près de quatre-vingts ans. Cependant, en examinant attentivement ses clichés, qu'ils aient été pris au Pays basque ou ailleurs, nous pouvons discerner non seulement des thèmes récurrents — comme nous l'avons analysé dans les sections précédentes — mais également des pratiques répétitives.
Les portraits, souvent pris sur les plages de Biarritz en noir et blanc, sont souvent des clichés où les humains jouent un rôle mineur : ils y sont souvent représentés comme des entités floues, sans visage car tournés dos à l'appareil photo, voire même sous forme de silhouettes. Alors que les êtres humains semblent modestes et insignifiants, l'attention du photographe se porte souvent sur d'autres éléments : phénomènes naturels, animaux ou même la technologie, comme nous l'examinerons dans un instant.
D'autre part, les portraits, bien qu'ils soient relativement rares dans la période basque de Lartigue, sont entièrement centrés sur les humains, en particulier les femmes. Si les paysages étaient des instantanés simples capturant des moments du quotidien, une certaine mise en scène devient évidente dans les portraits. Parfois, les sujets photographiés de près regardent directement l'objectif. Même si le regard des personnes représentées semble être dirigé ailleurs, on peut discerner une sorte d'interaction entre elles et le photographe : leur posture, leur regard égaré, et en fin de compte, leur beauté sculpturale (comme le disait Baudelaire), provoquée par leur conscience d'être photographiées, attirent notre attention. Et malgré cela — ou peut-être grâce à cela, car parvenir à l'interaction photographe-sujet idéale n'est pas tâche facile —, ce sont les nombreux portraits californiens et niçois des années 1980 qui ont propulsé le photographe à la célébrité.
Dans l'œuvre photographique de Lartigue, deux approches se croisent. Premièrement, il y a celle de la photographie documentaire, qui a rencontré un succès considérable auprès du public de l'époque, bien qu'elle n'ait pas été clairement définie. Comme le note la photographe Michelle Bogre dans son livre « Documentary Photography Reconsidered: History, Theory and Practice », la photographie documentaire « préserve notre histoire collective parce qu'elle est une preuve, un témoignage et une mémoire... Enracinée dans l'expérience humaine, la photographie documentaire humanise des situations qui, autrement, resteraient abstraites. Elle peut contester les stéréotypes et apporter de l'humour aux conditions humaines. » (Bogre, p. 15)
En outre, nous rencontrons des portraits plutôt classiques, avec une mise en scène manifeste. Où pourrions-nous repérer des points communs entre ces deux approches ? C'est la présence de l'homme. Cependant, elle peut parfois être difficile à décrypter, surtout dans les paysages. L'individu - en tant qu'entité unique - ne revêt pas une grande importance pour Lartigue dans ces images, d'où son désir de dissimuler les visages. Ce qui prédomine, c'est plutôt l'homme dans le sens abstrait - celui de l'humanité en général - qui est omniprésent : qu'il s'agisse d'un groupe de personnes à la plage ou d'un homme tourné dos à la caméra. On le retrouve également à travers les traces inanimées laissées par l'humanité dans les photos : avions, voitures et autres inventions, architecture ou même les colliers des chiens domestiques.
Cette dissimulation de l'identité des individus photographiés pourrait rappeler le travail de nombreux photographes documentaires contemporains ou postérieurs à Lartigue. Par exemple, aux États-Unis, Walker Evans, ou en Belgique, Harry Gruyaert. Ce dernier, surnommé le maître de la couleur, consacre également toute son œuvre à l'humanité. Tout comme Lartigue, il la représente de manière indirecte : à travers des silhouettes ou des figures floues et éloignées, ou encore à travers les traces que notre espèce laisse derrière elle.
Une autre similitude apparaît lorsque nous comparons Lartigue et Gruyaert : les deux photographes cherchent à saisir la quiétude, l'équilibre, voire l'harmonie de la vie quotidienne. Chez Lartigue, un lien peut être établi entre la sérénité de l'âme et l'océan. Le décor des paysages, tout aussi important que le premier plan, peut témoigner à la fois de sa tranquillité et de sa sauvagerie (comme lorsque la vague s'écrase contre la jetée). Malgré l'intention de capturer l'harmonie de la vie quotidienne, une touche dramatique et théâtrale se dégage du contraste entre les tons sombres (la terre) et les tons vifs (l'océan). Il est difficile de dire si ce contraste absolu est simplement le résultat de la photographie en noir et blanc, qui ne laissait que peu de choix en matière de sur- ou sous-exposition, ou si Lartigue, en photographiant l'océan scintillant en arrière-plan et les silhouettes sombres en premier plan, le faisait avec une intention délibérée. Peut-être cherchait-il à nous transmettre quelque chose, comme le suggère la photographie de sa femme Madeleine près d'une colonne : presque toute l'image est constituée de tons clairs, y compris la silhouette féminine, ce qui atténue les dernières traces de tension.
À première vue, Lartigue n'est ni un photojournaliste, ni véritablement un photographe documentaire. Alors, qui est-il ? Comme nous l'avons mentionné, Lartigue se considérait avant tout comme un peintre, et la photographie était pour lui un moyen efficace de préserver des souvenirs qui auraient autrement disparu. Les similitudes avec Gruyaert sont frappantes, car ce dernier part lui aussi sans objectifs précis lorsqu'il se promène avec son appareil photo en ville. Comme il le décrit, il aborde la photographie sans but prédéfini, capturant des images par instinct, sans commentaires ni interprétations.
Les questions sociales et politiques ne l'intéressent pas, et l'exotisme lui est étranger. Le seul moment où l'on peut percevoir une touche d'exotisme - ou une forme de théâtralité - c'est dans les photographies mises en scène, les portraits d'hommes et de femmes dont le regard semble perdu, devenant plus tard l'une des caractéristiques du photographe. Si une certaine théâtralité se retrouve dans ses paysages documentaires, elle n'est guère liée à l'homme, mais plutôt aux phénomènes naturels : les vagues, le vent, le soleil, ou à la technologie, comme un avion. L'art de Jacques Henri Lartigue est un captivant voyage dans le temps, figeant avec une sensibilité unique l'éphémère beauté de la vie quotidienne et celle d'une intimité à peine esquissée.

Milan, Italie (juin 2022)

R. Gabriel Karkovsky est photographe. Il est également l'auteur d'articles sur le cinéma et la photographie, de scénarios, de nouvelles et de poèmes.